"Il caso 137", Dominik Moll (2025)

Stéphanie (Léa Drucker) è un dirigente dell'IGPN, il dipartimento della polizia francese che indaga in merito ad eventuali comportamenti illeciti da parte di agenti della forza pubblica. Nel dicembre del 2018 le viene affidato il caso 137, riguardante il ferimento di un giovane manifestante, Guillaume (Côme Péronnet), durante una manifestazione di protesta dei "Gilet gialli", verificatosi, secondo la testimonianza di un suo amico, ad opera di agenti in borghese. Va aggiunto che Guillaume si era unito alla manifestazione quasi nello spirito di una gita di piacere a Parigi insieme alla famiglia e quindi era tutt'altro che un rivoluzionario. 

La narrazione mette in evidenza un problema di difficile soluzione, se sia cioè possibile mantenere un equilibrio di giudizio fra la tutela di una vittima che tutto farebbe pensare innocente e la protezione del corpo di polizia, spesso accusato per definizione di violenza in assenza di  prove certe.

L'indagine di Stéphanie risulta piuttosto complessa per le reticenze sia dei poliziotti che dei testimoni, ma soprattutto di una testimone, Alicia (Guslagie Malanda), che ha avuto l'occasione di girare un video del ferimento di Guillaume e che oppone inizialmente molta resistenza a concederlo per l'uso nelle indagini temendo ritorsioni. Ma Stéphanie è piuttosto testarda e riuscirà ad ottenere questo video che fornisce una prova solo apparentemente inoppugnabile dell'avvenuto. Infatti due poliziotti hanno sparato contemporaneamente ed è impossibile capire quale dei due sia responsabile del ferimento; Guillaume inoltre si gira indietro nel fuggire dai poliziotti i quali sostengono che lo avesse fatto per lanciare loro un oggetto offensivo. Giustificano inoltre l'aver dato un calcio al ragazzo già a terra sostenendo che sembrava voler estrarre qualcosa di tasca. Mille complicazioni insomma per un caso apparentemente risolvibile con un video e questo è un caveat da tenere ben presente quando si esprimono giudizi sui video virali che girano su Internet. 

E alla fine prevarrà la ragion di stato, basata su una motivazione discutibile: Stéphanie non poteva essere obiettiva perché originaria dello stesso paese di Guillaume, la sua indagine è quindi priva di valore. Ne conseguono nessuna responsabilità per la polizia e nessun indennizzo per Guillaume che riporterà danni permanenti della funzione cerebrale.

Il cuore del regista batte evidentemente per la vittima e nel guardare il film è difficile non provare rabbia per le reticenze della polizia, ma non va dimenticato che le cose non sono mai semplici soprattutto in presenta di rapporti amicali o famigliari, come abbiamo visto in un altro bel film del 2021, "Il Legionario" di Hleb Papou, come non va dimenticato che l'interpretazione del rapporto fra manifestanti e polizia come equivalente al rapporto fra proletari e potere, è fallace, come chiaramente affermato già negli anni '60 da Pier Paolo Pasolini. 
 

“È l’ultima battuta?”, Bradley Cooper (2025)

Il film narra la storia di un matrimonio in crisi, quello di Alex (Will Arnett) e Tess (Laura Dern); fanno da contorno altri due matrimoni, quello di una coppia di coetanei, Balls (Bradley Cooper) e Christine (André Day) e quello dei genitori di Alex, Jan (Ciarán Hinds) e Marylin (Christine Ebersole). Una trama quindi apparentemente banale con un finale altrettanto banale. Ma dietro a tutto ciò vi sono aspetti interessanti che vale la pena di sottolineare.

Alex inizia in modo casuale ad esibirsi come "stand-up comedian” in locali notturni di New York e lo fa raccontando le storie della sua separazione da Tess. Fin qui nulla di strano, esporre i propri problemi è un buon modo per alleggerirsi il cuore, il sacramento della confessione e le sedute dallo psicanalista ne sono una prova, e la "stand-up comedy" può essere un equivalente. Quello che può stupire è invece che il pubblico rida nell'ascoltare queste sventure, pur se raccontate con il sorriso sule labbra; quale può essere il motivo di questo comportamento? Potrebbe trattarsi di una manifestazione di “schadenfreude”, ma più probabilmente è la spersonalizzazione che si viene creando quando qualcuno si esibisce in pubblico, soprattutto con un soliloquio. È come se lo spettatore assistesse ad una “fiction" in cui il "comedian" racconta una storia immaginaria e quindi buffa anche se drammatica, purché sia ben raccontata.

Ma il nòcciolo della narrazione sono le motivazioni per cui Alex e Tess si separano, è lì che il film espone problematiche che probabilmente sono alla base della crisi attuale dell’istituto matrimoniale. Vi sono due occasioni in cui ciò si disvela. Un primo momento è quando Alex dichiara “Non mi ero innamorato di te ma dell'idea che mi ero fatto di te”. Curiosamente quasi le stesse parole vengono usate da Marcel Proust in una delle tante analisi che il protagonista di “Alla ricerca del tempo perduto” fa dei rapporti d’amore. Ed è proprio così: nella fase iniziale di un rapporto, quindi nell’innamoramento, ci si può fare un’idea della persona che amiamo diversa da quello che questa persona è e quando ce ne rendiamo conto può insorgere la delusione e allora è crisi oppure l’accettazione, cioè il ritenere che le diversità che riscontriamo rispetto alla nostra prima impressione non siano tali da giustificare una rottura. Alex capisce che le cose stanno così e a nostra volta noi capiamo che ha capito perché egli sostituisce la gigantografia di Tess, atletica e ripresa di spalle mentre sembra volare durante una partita di pallavolo, con una sempre di lei, ma ripresa di fronte, imbronciata, spettinata e vestita dimessamente. E il secondo momento si correla al primo quando Alex esclama “Non ero infelice del nostro matrimonio ma nel nostro matrimonio” e significa che egli ha capito che la prospettiva di un matrimonio di rose e fiori tutto in discesa è assolutamente irreale, l’infelicità fa parte della vita e quindi anche del matrimonio, ma proprio la forza del legame matrimoniale aiuta a superare i momenti difficili. Visto in quest’ottica questo film può essere definito utile, o se vogliamo addirittura didattico, se potrà invogliare coppie in difficoltà a riflettere sul loro legame prima di decidere di buttare tutto all’aria.   

 

"Lo Straniero", François Ozon (2025)

L'omonimo romanzo di Albert Camus da cui questo film è tratto è stato nel tempo più volte analizzato. Un'analisi di quest'opera cinematografica che traduce in modo eccellente le parole dello scrittore francese in immagini rischia quindi di essere ripetitiva. Vale però la pena di fare un tentativo ponendosi qualche domanda.

La trama è nota: nella Algeri del 1938 vive Mersault (Benjamin Voisin), giovane impiegato di livello medio-basso la cui madre muore all'inizio del film, evento che non sembra colpirlo più di tanto. Il giorno dopo egli allaccia una relazione con una giovane che già conosceva, Marie (Rebecca Marder) e la giornata decorre fra cinema e sesso. Nel corso di una domenica pomeriggio passata sulla spiaggia con Marie ed amici Mersault uccide a revolverate un giovane arabo che aveva in precedenza ferito a coltellate un suo amico. Incarcerato e processato, viene condannato a morte.

Mersault vive la sua vita nella più completa indifferenza che manifesta, oltre che in occasione della morte della madre, anche nei confronti di prospettive di progressione sul lavoro e di una proposta di matrimonio da parte di Marie. La sua impassibilità scompare alla fine della vicenda quando un sacerdote va a trovarlo in carcere. In quell'occasione Mersault perde la testa e per la prima volta esprime con violenza il suo pensiero, la sua rabbia per il fatto di vivere una vita di cui percepisce l'insensatezza e per la quale sembra non avere alcun attaccamento. E l'essere stato condannato non tanto per il delitto in sé (probabilmente uccidere un arabo ad Algeri da parte di un francese nel 1938 sarebbe stato come uccidere un nero da parte di un bianco in Alabama nella stessa epoca), ma per averlo fatto senza dimostrare emozione o pentimento è per lui un altro aspetto dell'assurdità della vita. Un altro momento in cui Mersault perde la sua indifferenza si verifica in sogno, il momento in cui l’inconscio prende il sopravvento sulla ragione. Egli sogna di essere condotto alla ghigliottina e di incontrarvi la madre con cui ha un breve colloquio; questo squarcio nella sua corazza ci permette forse di gettare uno sguardo sulla sua vera natura, seppellita sono l’indifferenza che lo caratterizza in condizione di veglia.   

Chi è lo straniero? Comunemente si ritiene che si tratti di Mersault, straniero perché diverso da tutti gli altri nel suo modo di vivere la vita; un'alternativa è che lo straniero sia invece l'arabo da lui ucciso. Mentre infatti la voce narrante del telegiornale che apre il film declama la meraviglia della convivenza di francesi ed arabi in Algeri la realtà è diversa: sono due mondi separati, gli arabi non possono entrare nei cinema (e torniamo al parallelo con l'Alabama del 1938) che, recita il cartello, sono proibiti agli "indigeni" e la stessa sorella dell'ucciso Djamila (Hajar Bouzaouit) lo dice chiaramente a Marie: suo fratello era uno straniero in patria.

E ancora, la figura di Mersault è da considerare completamente negativa? Se è vero che uccidere una persona è un atto esecrabile è anche vero che ognuno ha il diritto di non essere giudicato in base alle sue emozioni, purché non danneggi altri. Mersault si comporta come se fosse affetto (e forse lo era) da un disturbo dello spettro autistico per cui l’insistenza con cui il procuratore nel corso del processo sottolinea la sua mancanza di emozioni, scatenando l’ira del pubblico e condizionando sicuramente il giudizio della giuria, non sembra render ragione all’imputato, pur colpevole, va ripetuto, di omicidio con la possibile attenuante della legittima difesa (l’arabo aveva estratto un coltello).

Ed infine Mersault muore solo, come forse era il suo destino (muore solo in francese: “meurt sol” suona come il suo cognome). Il paradosso del suo ultimo pensiero "Perché tutto possa compiersi, per sentirmi meno solo, non dovevo far altro che desiderare che ci fosse una grande folla di spettatori il giorno della mia esecuzione e che mi salutassero con grida d’odio” sottolinea il suo desiderio di distinguersi dagli altri attraverso le grida di odio che lo salutano e che lo fanno sentire meno solo perché marcano la sua distanza dagli altri e di conseguenza la compagnia con se stesso.

"The life of Chuck", Mike Flanagan (2024)

Charles "Chuck" Krantz (Jacob Tremblay da bambino, Tom Hiddleston da adulto) è un contabile, impiego che rappresenta il prototipo di un'esistenza grigia e priva di fantasia. Di lui seguiamo la vita a ritroso, a partire dalla morte avvenuta a 39 anni per un tumore al cervello ed accompagnata dalla comparsa di cartelli stradali che lo ringraziano per "39 anni fantastici". In coincidenza con la scomparsa di Chuck e la comparsa dei cartelli inizia a verificarsi una serie di eventi, quali la scomparsa di Internet ed il progressivo spegnersi delle stelle, che fanno presagire una possibile prossima fine del mondo. In questa prima parte del film la narrazione è affidata a Marty (Chiwetel Ejiofor), insegnante di scuola media, e alla sua ex moglie Felicia (Karen Gillan), infermiera. Andando a ritroso nel tempo troviamo Chuck in età adulta che improvvisa in strada un balletto al suono di una giovane musicista, coinvolgendo una passante e suscitando l'entusiasmo degli astanti. Ancora più indietro nel tempo lo vediamo bambino, orfano di entrambi i genitori, accudito dal nonno Albie (Mark Hamill) che lo incoraggia a studiare la matematica, materia fondante della struttura dell’universo, e dalla nonna Sarah (Mia Sara) che lo introduce alla musica e soprattutto alla danza, grazie alla quale egli diventerà assai popolare fra gli alunni della sua scuola nella quale, guarda caso, troviamo Marty, sì proprio lui, alla stessa età di quando Chuck morirà una trentina di anni più tardi. Infine, nella casa dei nonni vi è una stanza nel sottotetto in cui Albie gli proibisce severamente di entrare. Al momento di vendere la casa dopo la morte dei nonni Chuck decide di entrare nella stanza proibita e vede se stesso (si riconosce anche per una cicatrice sul dorso della mano) sul letto di morte. Dopo un momento di comprensibile stupore, si gira ed esce con decisione dalla stanza, come per gettarsi alle spalle questa visione.

La narrazione affronta con tono volutamente leggero tematiche profonde ispirate dal verso "Sono vasto, contengo moltitudini” tratto dall’opera del poeta americano Walt Whitman (1819-1892) "Canzone di me stesso” che la maestra di Chuck insegna a scuola. Questa frase può essere interpretata sia come contengo molte sfaccettature variabili e contraddittorie che insieme contribuiscono a definirmi, interpretazione avvalorata dal verso che la precede "Mi contraddico? Ebbene mi contraddico”, ma anche come contengo in me tutto l’universo, interpretazione avvalorata da un verso dell’incipit dell’opera "perché ogni atomo che mi appartiene appartiene anche a te”. Ebbene il film vale per entrambe le interpretazioni, Chuck infatti è caratterizzato da aspetti contraddittori quali un lavoro privo di fantasia associato ad una capacità innata di eccellere in una attività fantasiosa quale il ballo, ma riesce anche, grazie a questa sua seconda caratteristica, ad entrare in sintonia con tutti, grandi e piccoli, generando un sentimento unitario di gioia con la sua danza. E questo messaggio che Chuck condivide con tutti è rafforzato dalla sua reazione alla vista di se stesso morente, la sua uscita decisa dalla stanza significa infatti voglio godere la mia vita pensando all’hic et nunc, il qui ed ora, senza pensare al futuro. Chuck rappresenta quindi una fonte di speranza per l’umanità intera, particolarmente importante in un momento in cui sembra che sia prossima la fine del mondo. Ecco il perché dei cartelli di ringraziamento ed ecco perché, anche grazie alla dissociazione della sua vita dallo scorrere del tempo che rende il suo messaggio universale, Chuck può essere interpretato come un Messia laico. E a proposito di Messia: è forse troppo chiedersi se sia solo un caso che l’età della sua morte, 39 anni, è pari a 33+3+3? 

 

“Mio fratello è un vichingo”, Anders Thomas Jensen (2025)

 

Anker (Nicolaj Lie Kaas) ha rapinato una banca; inseguito dalla polizia riesce a nascondere il bottino in una cassetta di sicurezza nel deposito di una stazione e a consegnarne la chiave al fratello Manfred (Mads Mikkelsen) prima di essere arrestato, chiedendogli di seppellire la sacca con il denaro in un bosco adiacente la loro vecchia casa di famiglia. Scontati 15 anni di carcere, Anker chiede a Manfred di indicargli il posto dove è nascosto il bottino. Peccato che quest’ultimo sia affetto da un Disturbo Dissociativo dell'Identità (DDI) che comporta, oltre al fatto di ritenere di essere John Lennon, episodi di amnesia e tendenze autolesionistiche e suicidarie. Anker decide quindi di caricare Manfred/John in macchina e portarselo nella vecchia casa di famiglia, attualmente adibita a Bed & Breakfast, per cercare di evocare il ricordo del nascondiglio. A questo punto la narrazione si arricchisce di una serie di personaggi che definire bizzarri è un eufemismo, da un sedicente psichiatra che si rivela essere in realtà un paziente psichiatrico alla coppia di gestori del B&B in cui la moglie tira di boxe con un punching ball ed il marito beve vino rosso dalla mattina alla sera dedicandosi con scarso successo alla sartoria ed alla scrittura di libri per l’infanzia a un paio di psicopatici anch’essi affetti da DDI uno dei quali ritiene di essere a volte George Harrison e a volte Paul McCartney, mentre l’altro (muto) si ritiene Ringo Starr. Senza svelare se il povero Anker riuscirà a recuperare il grisbì possiamo addentrarci nelle tematiche che emergono dalla narrazione, ad esempio la linea di confine fra normalità e follia, estremamente sfumata tanto che l’unica persona che spicca per “normalità” è Anker, cioè un rapinatore con problemi di gestione della rabbia. Un altro aspetto interessante è la definizione di realtà ossia se essa sia da considerare un qualcosa di omogeneo, quindi uguale per tutti o se ognuno abbia diritto ad una sua realtà, mediata dalle proprie esperienze e ricordi. Quest’ultimo aspetto è piuttosto interessante perchè nel corso della narrazione apprendiamo che i comportamenti di Manfred ed Anker, e quindi la loro visione della realtà, sono stati fortemente condizionati da una figura paterna autoritaria e violenta. 

Ed infine, il cartone animato che apre e chiude il film conclude pessimisticamente suggerendoci che l’unica maniera che ha l’umanità per realizzare un sentire comune è suicidarsi in massa, con buona pace di Immanuel Kant e del suo “Sensus communis".    

"L'isola dei ricordi", Fatih Aikin (2025)

 

All'inizio della narrazione, del dodicenne Nanning (Jasper Billlerbeck) abbiamo qualche notizia solo in merito al presente: originario di Amburgo, di famiglia benestante, figlio di un gerarca nazista, si trasferisce durante la guerra sull'isola di Amrum nel mare del nord insieme alla madre, alla zia, a un fratello ed una sorella minori (un'altra sorellina arriverà nel corso del film). Su quest’isola, dove la famiglia possiede una casa di balenieri da nove generazioni, Nanning lavora nei campi di Tessa (Diane Kruger) insieme all'amico Hermann (Kian Koeppke) per procurare cibo alla famiglia. Durante questo soggiorno apparentemente pacifico (della guerra ci si accorge solo per il passaggio degli aerei e per l'arrivo di profughi, malvisti dai locali) Nanning verrà a conoscenza di un passato della sua famiglia che ignorava completamente, avrà diretta esperienza della morte scoprendo il cadavere dello zio Onno (Jan Georg Schuette), fedele nazista suicidatosi alla notizia della sconfitta della Germania, si impegnerà fino a rischiare la morte per nutrire la madre Hille (Laura Tonke) e ne avrà in cambio ben poche manifestazioni di affetto, percepirà la sensazione dell'essere estraneo in una terra che considerava sua, avrà l’occasione di dimostrare la sua umanità salvando dall’annegamento un giovane profugo che giorni prima gli aveva rubato con la violenza del cibo prezioso, sperimenterà il disprezzo del prossimo nei confronti della sua famiglia, non più temuta e rispettata dopo la caduta del nazismo, capirà che nel mondo spesso vale la regola latina mors tua vita mea quando, costretto da un cacciatore in cambio come sempre di cibo, si troverà in prima persona a tendere una trappola mortale ad una foca. Il film rappresenta quindi una storia di formazione condensata in 90 minuti dalla quale Nanning uscirà da adulto dopo esservi entrato da bambino, una storia difficile, faticosa e pericolosa, metaforicamente analoga al percorrere quelli che gli abitanti di Amrum chiamano "campi fangosi” (watt in tedesco), una vasta porzione di spiaggia che con l’alta marea si trasforma rapidamente in una pericolosissima distesa di sabbie mobili ed acqua alta. E in conclusione, ricaverà qualcosa il nostro Nanning da questa faticosa e pericolosa esperienza? Riceverà un segnale di approvazione per tutto il da fare che si è dato per gli altri nel corso della narrazione? Fortunatamente sì, sarà il semplice dono di una collana di cuoio che riceve, mentre con la famiglia si appresta a tornare ad Amburgo, dalla sorella del profugo cui aveva salvato la vita; questa collana ed il sorriso della ragazza riescono ad evocare sul volto di Nanning per la prima volta un sorriso, sorriso che rimarrà sul suo volto quando nella sequenza finale lo rivediamo anziano in riva al mare, avendo assolto ciò che si era proposto e cioè tornare ad Amrum, la sua casa.   

"Nouvelle Vague", Richard Linklater (2025)

Richard Linklater è un regista poliedrico, basta pensare a due suoi film fra loro molto diversi come l'esperimento di "Boyhood" (2014) e la commedia umoristica di "Hitman" (2023). Non stupisce quindi che egli abbia maturato l'idea di girare un film sul "making of" di un altro film: "Fino all'ultimo respiro" (Jean-Luc Godard 1959), opera prima della Nouvelle Vague, ponendo al centro del suo lavoro anche il clima culturale in cui questa rivoluzione del modo di fare cinema si è collocata. E di vera rivoluzione si trattò, lo si capisce già dal nome che giuoca sull'analogia fonetica fra Vague (onda) e Vogue (moda) preferendo il primo perché esprime il concetto di un qualcosa destinato a travolgere lo status quo come un'onda, non semplicemente a modificarlo come una moda. 

Se messa in prospettiva storica, la rivoluzione della Nouvelle Vague presenta due aspetti piuttosto interessanti, entrambi legati alla terra in cui si è originata, la Francia. In primo luogo il modo in cui ha scardinato il modo tradizionale di girare un film ricorda molto da vicino il modo in cui un centinaio di anni prima l'Impressionismo scardinò i canoni della pittura accademica. In entrambi i casi i fautori del classico gridarono allo scandalo, salvo doversi ricredere in un secondo tempo. E in effetti il concetto-base della Nouvelle Vague, cioè il diritto del regista di ritrarre la realtà come a lui gradiva, era lo stesso degli impressionisti per quanto riguardava la pittura. Ma l’ispirazione a questo nuovo modo di fare cinema ha un precedente, sottolineato nella scena dell’incontro fra i giornalisti dei Cahiers du Cinéma (in pratica tutti i giovani registi di allora) con Roberto Rossellini (Laurent Mothe), e cioè il neorealismo, tecnica cinematografica dalla quale quei registi si ritenevano ispirati.

Un pregio del film è la resa dell'atmosfera di fine anni ’50; i protagonisti si presentano sicuri di sé, autoreferenziali. Godard (Guillaume Marbeck) in particolare non esita a sfidare apertamente il produttore Georges de Beauregard (Bruno Dreyfürst) con il suo modo totalmente anarchico di organizzare (si fa per dire) i 20 giorni dedicati alla realizzazione del film: sceneggiatura scritta sul momento su pezzi di carta, giornate lavorative di due ore oppure dedicate a giocare al flipper invece di lavorare. Ebbene, questo atteggiamento prelude al secondo aspetto di cui si parlava in precedenza e cioè alla rivoluzione del maggio francese che nel '68 allargò il campo della ribellione dal solo modo di fare cinema a tutto ciò che l'establishment considerava normale, definendo un cambiamento culturale epocale e cioè che i giovani avevano diritto di parola e di decisione in opposizione alle classi dominanti, ispirati dal noto slogan “L’immaginazione al potere”, a sua volta mutuato dalla filosofia di Herbert Marcuse .