"Odissea", Christopher Nolan (2026)

 

Di fronte ad un'opera d'arte è spesso interessante chiedersi perché l'artista l'abbia creata. Nel caso di questo film la domanda va invece formulata diversamente: come avrebbe potuto l'artista non crearla? Se consideriamo infatti la filmografia di Christopher Nolan risulta evidente un tema comune che va oltre il suo interesse per gli enigmi spazio-temporali e cioè l'essere umano che affronta il proprio destino (o fato, se vogliamo sottolinearne l'ineluttabilità) appesantito dai demoni del suo passato. Eccone qualche esempio in ordine cronologico: Leonard Shelby (Memento, 2002), Bruce Wayne (Il cavaliere oscuro, 2008), Dom Cobb (Inception, 2010), Joseph Cooper (Interstellar, 2014), J. Robert Oppenheimer (Oppenheimer, 2023). Nolan non avrebbe potuto quindi evitare di dedicarsi alla figura di Odisseo che rappresenta il prototipo di tutti questi personaggi e in definitiva di tutti noi esseri umani, chiamati a vivere la nostra esistenza, come recita la "picciola orazione" che Dante fa pronunciare a Odisseo nel XXVI canto dell'Inferno: "Fatti non foste a viver come bruti ma per seguir virtute e canoscenza”, in equilibrio fra l'esercizio della virtù e la conoscenza, sia del nostro passato che di quella cui aspiriamo nel futuro  

Prima di discutere di questo film sarebbe bene chiarire il campo da alcuni aspetti che sono stati puntigliosamente sollevati, per esempio che Elena non era di pelle nera o che Matt Damon non sembra un greco o ancora che le armature dei Lestrigoni riportano ai cavalieri medioevali. Qui è in giuoco il diritto di un artista, nell'ispirarsi per la sua creazione ad un'opera d'arte precedente, di "metterci del suo" altrimenti produrrebbe semplicemente una copia asettica. E comunque, da quanto leggiamo nel libro XIII dell'Odissea, quando Pallade Atena trasforma Ulisse appena giunto ad Itaca in un vecchio mendicante, gli incanutisce i "biondi capelli" che certo non rappresentano il prototipo del Greco antico che ci piace immaginare. 

Nolan pone l’accento sul dramma umano di Odisseo che riconosce sia i propri torti (l’inganno del cavallo di Troia che a maggior ragione gli brucia essendo egli abituato per lealtà ad avvertire durante la caccia la preda prima di scoccare la freccia) che il sopravvento, segnato dalla guerra di Troia con la metafora della decapitazione della statua di Atena durante la distruzione di quella città, di uno sconvolgimento nei rapporti umani che prelude alla fine della civiltà. Il ripetuto richiamo nel corso della narrazione all'arrivo degli "Uomini del mare”, popolazione di selvaggi guerrieri di cui si teme l’avvento, ne rappresenta un presagio. Ma gli Uomini del mare, si rende conto Odisseo, sono proprio loro, gli stessi Achei poiché non riconoscono più la legge di Zeus, la xenia, il vincolo sacro che implicava per i greci il rispetto dell’ospite. Ma tutto ciò non dovrebbe farci riflettere? Non ci rendiamo conto che gli "Uomini del mare” siamo anche noi stessi che dopo 80 anni dalla seconda guerra mondiale abbiamo ripreso guerre in cui nessuna regola di umanità è osservata? Non siamo forse noi che continuiamo a respingere lo straniero che bussa alle nostre porte per bisogno? Questa drammatica attualizzazione è ciò che valorizza il film e che lo rende un’opera importante, permettendo di sorvolare su punti discutibili, in primis il finale in stile happy ending, inventato di sana pianta (c’è un limite al "metterci del proprio”) che risulta del tutto fuori luogo ed altri ancora che sarebbe lungo elencare.

"Il sentiero azzurro”, Gabriel Mascaro (2025)

 

All’età di 77 anni Tereza (Denise Weinberg) rientra automaticamente in un programma dedicato dal governo brasiliano agli anziani grazie al quale essi vengono in pratica legalmente interdetti, soggetti al permesso dei figli per svolgere qualsiasi attività ed inviati in colonie a passare gli ultimi anni della loro vita. Tereza non ci sta e sceglie la fuga per recuperare la sua libertà. Partendo da questo programma (ovviamente di fantasia) la narrazione si snoda come un “road movie”, ma non sulla strada, bensì sulle acque del Rio delle Amazzoni e dei suoi affluenti che Tereza percorre in barca insieme a tre personaggi che si succedono in ordine cronologico: Cadu (Rodrigo Santoro), Ludemir (Adanilo) e Roberta (Miriam Socarras) con i quali intraprenderà un rapporto di reciproco scambio che arricchirà tutti, come dovrebbe avvenire in un mondo dove i rapporti umani fossero improntati all’amore e all’interesse per il prossimo e non solo per se stessi.

Cosa troviamo oltre a questo messaggio nel bel film di Mascaro?  Sul piano sociale o meglio sociologico nulla di positivo. Il governo brasiliano infatti decide di mettere in atto questo esilio forzato degli anziani per motivi solo apparentemente umanitari ma in realtà economici, cioè liberare figli e nipoti dalle preoccupazioni legate alla gestione degli anziani e così incrementare la produttività. Si tratta quindi di un ulteriore esempio di come il Dio Denaro possa prevalere sui diritti umani, in questo caso sulla libertà individuale e specificamente quella di fare ciò che si desidera, come ricorda Isaiah Berlin nel suo saggio del 1958, contrapponendola alla libertà da qualcosa che non si desidera. Deprimente anche il rapporto fra Tereza e la figlia Joana (Clarissa Pinheiro) la quale non esita ad aderire al progetto governativo, impedendo alla madre persino di soddisfare un suo desiderio covato per tutta la vita: compiere un viaggio anche breve in aereo (da notare che Tereza è totalmente autosufficiente nonostante i 77 anni e lo dimostra muovendosi agilmente su passerelle e imbarcazioni che metterebbero in difficoltà un sessantenne). Si tratta in questo caso di una rottura del tacito patto sociale che unisce genitori e figli: io ti aiuto a crescere e tu mi aiuti quando ne avrò bisogno.

C’è poi un ultimo aspetto che aleggia su tutto il film, il rapporto fra Umanità e Natura, quest’ultima ampiamente presente attraverso il frequente ricorso a riprese panoramiche del meraviglioso ambiente amazzonico. Ma questo rapporto non si svolge solo sul piano delle immagini, coinvolge direttamente esseri umani e natura come nel caso della lumaca la cui bava azzurra instillata negli occhi permette di vedere miracolosamente il futuro come Cadu insegna a Tereza e ancora nel caso della lotta fra il pesce rosso ed il pesce bianco (una scena clamorosa sul piano estetico) vinta da quest’ultimo, grazie alla quale Tereza, che aveva audacemente puntato su di lui la barca di Roberta, conquista un bel gruzzolo che le permetterà di continuare a girovagare senza meta per le acque amazzoniche con Roberta, sua anima gemella, libera da ogni condizionamento. Il regista esprime in questo modo il debito che gli esseri umani hanno con la natura, debito che purtroppo non viene né riconosciuto né ripagato.

In chiusura una nota pratica: in Brasile è in vigore dal 2003 lo "Statuto della Persona Anziana”, una legge che tutela in modo ampio e dettagliato i diritti degli anziani che in quella nazione sono quindi ben più protetti che in altre. 

“Disclosure day", Steven Spielberg (2026)

Con questo film Spielberg, regista estremamente poliedrico come dimostra la sua variegata filmografia, ritorna alla sua infanzia in cui fantasticava sulla possibile esistenza di alieni nel nostro universo, come già abbiamo visto in “Incontri ravvicinati del terzo tipo” (1977) ed in “E.T. l’Extraterrestre” (1982). Questa premessa è necessaria per capire lo spirito del film che è quello di associare questi ricordi con la realtà odierna e con i possibili riflessi sul futuro dell'Umanità, in un modo che può essere definito ibrido, che cioè utilizza un linguaggio per bambini integrato in una prospettiva per adulti.  

La trama narra di una popolazione aliena che ha a più riprese visitato la terra e in occasione di queste “visite” ha inoculato nei due protagonisti del film: Margaret (Emily Blunt) meteorologa e Daniel (Josh O’Connor) informatico, capacità sovrumane. Lei è dotata di una illimitata empatia che le permette di sapere tutto di una persona semplicemente guardandola negli occhi, mentre lui interpreta senza alcuna difficoltà e rende verbalmente nel linguaggio alieno le formule matematiche, estremamente complesse, che sono alla base della struttura dell’Universo. È evidente il richiamo alla duplicità degli esseri umani, caratterizzati sia da spirito (Margaret) che da razionalità (Daniel). La vicenda degli alieni è tenuta segreta dalla Wardex, un’organizzazione paragovernativa diretta da Noah (Colin Firth), per evitare che la rivelazione (disclosure appunto) possa causare una grave turbativa dell’ordine sociale. Lo scopo dell’organizzazione di cui è a capo Hugo (Colman Domingo) e di cui fa parte Daniel è al contrario di pubblicare online tutto il materiale audio/video in possesso della Wardex affinché tutti sappiano tutto degli alieni in un momento delicatissimo in cui il mondo è sull’orlo della terza guerra mondiale. Ed ecco una prima questione da valutare: è giusto che tutti sappiano tutto o invece vi sono cose che vanno tenute nascoste? Questione estremamente difficile che già si era presentata all’attenzione del pubblico ai tempi di WikiLeaks, con l’opinione pubblica divisa nettamente in due. Una risposta sicura probabilmente non esiste. La presenza da sempre di servizi segreti in tutte le nazioni del mondo dovrebbe orientare alla liceità di tenere nascoste al pubblico delle informazioni ma il problema reale è chi decide che cosa può essere reso pubblico e che cosa no. Nel caso che si presenta nel film la ricaduta della pubblicazione sarebbe senz’altro negativa per il governo che ne uscirebbe reo di aver nascosto informazioni clamorosamente importanti, ma sarebbe forse utile per raggiungere un'unione globale dei 7-8 miliardi di essere umani che vivono sulla Terra grazie ad un fenomeno di empatia universale che potrebbe favorire la pace nel mondo. In realtà però se tutti sapessero cosa tutti pensano e provassero le emozioni che tutti provano, la convivenza non sarebbe possibile, dobbiamo accettare volenti o nolenti che un minimo di ipocrisia (in senso buono) è necessario per convivere. La narrazione si chiude lasciando un punto interrogativo: non sappiamo infatti quale sia il contenuto del messaggio che l’anziano alieno comunica a Daniel ed a Margaret e che quest’ultima annuncia con l’ultima parola del film: “Ascoltate”. Sembra quasi che si possa trattare di una profezia e questo ci porta all’aspetto religioso, ben presente nel film attraverso la figura della ragazza di Daniel, Jane (Eve Hewson) ex-novizia, e della sua mentore Suor Maura (Elisabeth Marvel). La fede aiuta Jane a combattere i tentativi di Noah di entrare nella sua mente e dirigerne le azioni e Suor Maura ritiene che sarebbe molto strano se Dio avesse creato l’Universo esclusivamente per gli esseri umani. E se facciamo riferimento all’introduzione dell’enciclica “Magnifica Humanitas”, Leone XIV vi cita la ricostruzione delle mura e del tempio di Gerusalemme distrutte dai babilonesi (Ne 1-2) come un esempio della necessità di agire con comunanza di responsabilità e di doveri, con il pensiero rivolto al Bene comune e in quest’ottica l’idea di una maggiore empatia fra esseri umani si trova in accordo con le posizioni della Chiesa.

In conclusione, le scene finali del film che ritraggono tutti gli esseri umani ipnotizzati davanti allo schermo dei loro smartphone che riproducono i file della Wardex portano alla mente le scene finali di “Bugonia” (Yorgos Lanthimos, 2025) con i cadaveri di tutti gli esseri umani sterminati dal semplice gesto di un dito alieno (sterminio compiuto con l’idea di rigenerare l’Umanità stessa). Due modi piuttosto diversi di interpretare il rapporto fra Umani ed Alieni.

"Amarga Navidad", Pedro Almodóvar (2026)

I temi che Almodóvar affronta in questo suo "Natale amaro" sono due: l'elaborazione del lutto e il rapporto fra realtà e finzione nel lavoro di un artista. 

Non mi soffermo sul primo tema la cui trattazione non mi ha colpito. Il secondo rappresenta una vera e propria autobiografia, piuttosto impietosa, del regista che si dipinge nel ruolo di Raúl (Leonardo Sbaraglia), un anziano regista, appunto, autore di film di successo ma in fase di declino ed incapace di portare avanti la trama di un film, "Amarga Navidad”. Questo titolo richiama una celebre canzone del cantante e compositore messicano José Alfredo Jiménez sulla difficile e dolorosa rottura di una relazione amorosa che avviene proprio sotto Natale, a sottolineare come i periodi felici della vita ("Feliz Navidad" è il "Buon Natale" in spagnolo) possano coincidere con tragedie individuali. E le tragedie non mancano in questo film, sia nella realtà che nella trama che Raúl sta scrivendo: Elsa (Barbara Lennie), regista in crisi, va incontro ad un grave disagio psicologico per non essere stata presente alla morte della madre, Patricia (Victoria Luengo) scopre il tradimento del marito, Elena, nella realtà, e Natalia (Milena Smith), nella finzione, perdono un figlio, la prima per malattia e la seconda per un incidente da lei provocato, tentando poi entrambe il suicidio. E a questi drammi non vi è soluzione: Elsa intreccia una relazione amorosa con un pompiere di giorno e spogliarellista di notte, Bonifacio (Patrick Criado), che la adora come una divinità; per stare vicina a Natalia Elsa, gli impedisce però di raggiungerla a Lanzarote compromettendo di conseguenza il loro legame. L’amicizia fra Patricia ed Elsa si incrina quando quest’ultima comunica alla prima l’intenzione di scrivere la trama di un film ispirandosi alla sua storia, e via dicendo. Tutte le storie fin qui narrate si verificano su due piani temporali separati da 20 anni, il primo dei quali in ordine cronologico rappresenta la trama che Raúl cerca di scrivere ed il secondo si svolge nella realtà dei giorni nostri. Ed eccoci al secondo tema, vale a dire se sia lecito per l’artista utilizzare le vicende altrui (qualcuno ha parlato di “vampirizzare”, in modo decisamente eccessivo) per portare avanti il proprio lavoro, cosa che abbiamo visto accadere nella realtà quando Raúl si ispira ad Elena e nella finzione quando Elsa si ispira a Patricia. Troppo complicato? Ebbene sì. L’artista è autorizzato ad utilizzare vicende altrui, opportunamente mascherate, per svolgere il suo lavoro? Se stiamo a quella che ritengo una valida definizione dell’arte e cioè che essa sia il meccanismo attraverso il quale l’artista esprime il suo modo di vedere, oltre al proprio mondo interiore, il mondo esterno, la risposta è ancora inevitabilmente "ebbene sì". 

 

“Resurrection”, Bi Gan (2025)

Un film sul cinema non è certo una novità, la novità risiede nel modo visionario con cui il tema è trattato, visionario in senso stretto perché in quest’opera le immagini sono preminenti su tutto il resto (in particolare sui dialoghi), come d’altro canto è giusto che sia quando si ha a che fare con il mezzo cinematografico.

La trama è semplicissima: in una società futura in cui per guadagnare l’immortalità bisogna rinunciare al sogno, e quindi al cinema, vi sono individui che non accettano questo baratto e che sono definiti “Deliranti”. La narrazione ci conduce lungo la traiettoria che il cinema ha percorso dalla sua nascita ad oggi, traiettoria condita da numerosi riferimenti, dai fratelli Lumiere a Murnau, Welles, Resnais, condotti per mano in questo viaggio dal Delirante (Jackson Yee) e da una misteriosa donna (Shu Qi) che cerca di capirne il funzionamento della mente.   

Un tema che il regista sottolinea a più riprese è la necessità di smaterializzarsi per fruire del sogno, in particolare cinematografico, come è piuttosto crudamente espresso sia nella sequenza del Delirante che inizia a sentire una splendida musica dopo essersi perforato il timpano con un punteruolo che nell'attenzione sull'occhio nella fase iniziale dedicata al cinema muto. Il corpo materiale è quindi solo il mezzo che ci permette la percezione, tutto il resto è sogno guidato dallo spirito. Ed è piuttosto interessante che la possibilità di sognare sia secondo il regista legata alla condizione mortale degli esseri umani. L’immortalità, dote divina, è infatti indissolubilmente legata all’immutabilità, come già diceva la mitologia greca. Bi Gan implica quindi che la mortalità degli esseri umani sia indissolubilmente legata alla loro capacità di mutare che è a sua volta indissolubilmente legata alla loro capacità di sognare, cioè di ideare in modo astratto, producendo mutamenti non correlati necessariamente al raziocinio.

E giungiamo al finale, la parte più enigmatica di un film forse volutamente troppo enigmatico. Il Delirante muore, ma rinasce trasfigurato nell’immagine che di lui abbiamo visto all’inizio del film. La scena passa poi in una sala cinematografica piuttosto datata, identica a quella in cui il film era iniziato. Mentre all’inizio gli spettatori erano stati messi in fuga dall’arrivo della polizia, alla fine, raffigurati come esseri spettrali, scompaiono tutti gradualmente dissolvendosi, mentre sullo schermo compaiono The End ed il nome del regista. Cosa ha voluto dirci Bi Gan con queste immagini? Che il cinema, come l’Araba Fenice, risorge ogni volta (v. il titolo) dalle sue ceneri? È verosimile, ma che dire del dissolvimento degli spettatori? È forse una metafora di nuove modalità di fruizione del mezzo cinematografico che nullificano il ruolo delle vecchie sale? Molti punti interrogativi con cui si può o meno concordare in piena libertà, come deve essere per ogni opera d’arte.

 

"Il caso 137", Dominik Moll (2025)

Stéphanie (Léa Drucker) è un dirigente dell'IGPN, il dipartimento della polizia francese che indaga in merito ad eventuali comportamenti illeciti da parte di agenti della forza pubblica. Nel dicembre del 2018 le viene affidato il caso 137, riguardante il ferimento di un giovane manifestante, Guillaume (Côme Péronnet), durante una manifestazione di protesta dei "Gilet gialli", verificatosi, secondo la testimonianza di un suo amico, ad opera di agenti in borghese. Va aggiunto che Guillaume si era unito alla manifestazione quasi nello spirito di una gita di piacere a Parigi insieme alla famiglia e quindi era tutt'altro che un rivoluzionario. 

La narrazione mette in evidenza un problema di difficile soluzione, se sia cioè possibile mantenere un equilibrio di giudizio fra la tutela di una vittima che tutto farebbe pensare innocente e la protezione del corpo di polizia, spesso accusato per definizione di violenza in assenza di  prove certe.

L'indagine di Stéphanie risulta piuttosto complessa per le reticenze sia dei poliziotti che dei testimoni, ma soprattutto di una testimone, Alicia (Guslagie Malanda), che ha avuto l'occasione di girare un video del ferimento di Guillaume e che oppone inizialmente molta resistenza a concederlo per l'uso nelle indagini temendo ritorsioni. Ma Stéphanie è piuttosto testarda e riuscirà ad ottenere questo video che fornisce una prova solo apparentemente inoppugnabile dell'avvenuto. Infatti due poliziotti hanno sparato contemporaneamente ed è impossibile capire quale dei due sia responsabile del ferimento; Guillaume inoltre si gira indietro nel fuggire dai poliziotti i quali sostengono che lo avesse fatto per lanciare loro un oggetto offensivo. Giustificano inoltre l'aver dato un calcio al ragazzo già a terra sostenendo che sembrava voler estrarre qualcosa di tasca. Mille complicazioni insomma per un caso apparentemente risolvibile con un video e questo è un caveat da tenere ben presente quando si esprimono giudizi sui video virali che girano su Internet. 

E alla fine prevarrà la ragion di stato, basata su una motivazione discutibile: Stéphanie non poteva essere obiettiva perché originaria dello stesso paese di Guillaume, la sua indagine è quindi priva di valore. Ne conseguono nessuna responsabilità per la polizia e nessun indennizzo per Guillaume che riporterà danni permanenti della funzione cerebrale.

Il cuore del regista batte evidentemente per la vittima e nel guardare il film è difficile non provare rabbia per le reticenze della polizia, ma non va dimenticato che le cose non sono mai semplici soprattutto in presenta di rapporti amicali o famigliari, come abbiamo visto in un altro bel film del 2021, "Il Legionario" di Hleb Papou, come non va dimenticato che l'interpretazione del rapporto fra manifestanti e polizia come equivalente al rapporto fra proletari e potere, è fallace, come chiaramente affermato già negli anni '60 da Pier Paolo Pasolini. 
 

“È l’ultima battuta?”, Bradley Cooper (2025)

Il film narra la storia di un matrimonio in crisi, quello di Alex (Will Arnett) e Tess (Laura Dern); fanno da contorno altri due matrimoni, quello di una coppia di coetanei, Balls (Bradley Cooper) e Christine (André Day) e quello dei genitori di Alex, Jan (Ciarán Hinds) e Marylin (Christine Ebersole). Una trama quindi apparentemente banale con un finale altrettanto banale. Ma dietro a tutto ciò vi sono aspetti interessanti che vale la pena di sottolineare.

Alex inizia in modo casuale ad esibirsi come "stand-up comedian” in locali notturni di New York e lo fa raccontando le storie della sua separazione da Tess. Fin qui nulla di strano, esporre i propri problemi è un buon modo per alleggerirsi il cuore, il sacramento della confessione e le sedute dallo psicanalista ne sono una prova, e la "stand-up comedy" può essere un equivalente. Quello che può stupire è invece che il pubblico rida nell'ascoltare queste sventure, pur se raccontate con il sorriso sule labbra; quale può essere il motivo di questo comportamento? Potrebbe trattarsi di una manifestazione di “schadenfreude”, ma più probabilmente è la spersonalizzazione che si viene creando quando qualcuno si esibisce in pubblico, soprattutto con un soliloquio. È come se lo spettatore assistesse ad una “fiction" in cui il "comedian" racconta una storia immaginaria e quindi buffa anche se drammatica, purché sia ben raccontata.

Ma il nòcciolo della narrazione sono le motivazioni per cui Alex e Tess si separano, è lì che il film espone problematiche che probabilmente sono alla base della crisi attuale dell’istituto matrimoniale. Vi sono due occasioni in cui ciò si disvela. Un primo momento è quando Alex dichiara “Non mi ero innamorato di te ma dell'idea che mi ero fatto di te”. Curiosamente quasi le stesse parole vengono usate da Marcel Proust in una delle tante analisi che il protagonista di “Alla ricerca del tempo perduto” fa dei rapporti d’amore. Ed è proprio così: nella fase iniziale di un rapporto, quindi nell’innamoramento, ci si può fare un’idea della persona che amiamo diversa da quello che questa persona è e quando ce ne rendiamo conto può insorgere la delusione e allora è crisi oppure l’accettazione, cioè il ritenere che le diversità che riscontriamo rispetto alla nostra prima impressione non siano tali da giustificare una rottura. Alex capisce che le cose stanno così e a nostra volta noi capiamo che ha capito perché egli sostituisce la gigantografia di Tess, atletica e ripresa di spalle mentre sembra volare durante una partita di pallavolo, con una sempre di lei, ma ripresa di fronte, imbronciata, spettinata e vestita dimessamente. E il secondo momento si correla al primo quando Alex esclama “Non ero infelice del nostro matrimonio ma nel nostro matrimonio” e significa che egli ha capito che la prospettiva di un matrimonio di rose e fiori tutto in discesa è assolutamente irreale, l’infelicità fa parte della vita e quindi anche del matrimonio, ma proprio la forza del legame matrimoniale aiuta a superare i momenti difficili. Visto in quest’ottica questo film può essere definito utile, o se vogliamo addirittura didattico, se potrà invogliare coppie in difficoltà a riflettere sul loro legame prima di decidere di buttare tutto all’aria.